館 藏 編 號 :DV04390
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演 出 者:

巴倫波因
傑利畢達克
慕尼黑愛樂

Title 
巴倫波因&傑利畢達克
黃金相遇


3區


摘自 博客來DVD館網站

本片的兩首鋼琴協奏曲,是同樣編制作品中,非常受歡迎的兩首。舒曼的唯一一首鋼琴協奏曲充滿著高貴、幻想、親密的氣息;相反地,柴可夫斯基的第一號鋼琴協奏曲的氣勢相當雄偉,音樂本身內蘊推進的力道,充滿情感上的力量,其絢爛的音色則別具一格,是柴可夫斯基的三首鋼琴協奏曲當中最受矚目的一首。

DVD裡擔任鋼琴獨奏的鋼琴家,是當今樂壇的重量級人物巴倫波因(Daniel Barenboim),1942年出生於布宜諾斯艾利斯,雙親為俄裔猶太人,小時候在鋼琴演奏領域即展現如神童般的才華。巴倫波因不只是一位鋼琴家,他也是古典樂壇公認的管弦樂團與歌劇院指揮家,在指揮領域的成就同樣令人尊敬,而在樂壇也有很大的影響力。傳奇指揮家傑利畢達克(Sergiu Celibidache),1912年出生於羅馬尼亞,早年的音樂教育同樣以鋼琴為主,但對於哲學與數學也相當有興趣。他每一場演出都會和管弦樂團事先要求更多的排練時段,以求盡善盡美,因此鮮少有管弦樂團能配合,慕尼黑愛樂是唯一能夠與傑利畢達克持續合作的頂尖樂團,他自1979年起擔任該團的音樂總監,直至去世為止。

傑利畢達克是一位聲音的天才,他能夠在複雜交錯的樂團聲響中找到巧妙平衡的獨家秘方,再加上他對樂器音頻以及空間聲響的絕佳敏銳度,往往創造出令人難忘的音樂。本片的影像記錄顯示出巴倫波因與傑利畢達克兩人在音樂內容上的高度共識,一些相關報導也揭露了兩人對彼此音樂性的欽佩,共事的期間也相當愉快。管弦樂團的成員,在兩人樂思的相互影響之下,讓樂曲不再是按照公式般地演出而已,而是仔細地探究音符之外,更深層的意義。

鋼琴與樂團之間的緊密對話舒曼在1841年開始譜寫這首鋼琴協奏曲,一開始他想寫的是一首「為鋼琴與管弦樂團所譜寫的幻想曲」,是為了他的新婚妻子克拉拉所寫的。這首鋼琴協奏曲在1846年的1月1日進行首演,由克拉拉擔任獨奏者,然而萊比錫的聽眾們似乎對於這首協奏曲顯得有些不知所措,或許是他們無法充份欣賞曲子裡的精妙之處,以及鋼琴與管弦樂團之間在樂句間的緊密銜接與對話。不過,在巴倫波因與傑利畢達克的演出裡,這項優點則是淋漓盡致地呈現出來。柴可夫斯基的降b小調鋼琴協奏曲也不是很能被接受,尤其在他的鋼琴家好友,當時是莫斯科音樂院院長魯賓斯坦(Nikolai Rubinstein)眼中更是如此,柴可夫斯基帶著這份剛完成的樂譜給魯賓斯坦私下看看,沒想到魯賓斯坦回覆他的竟然是「毫無價值,而且無法演奏」這樣負面的評語。而柴可夫斯基則堅持自己的想法,經由畢羅在美國的首演大獲成功之後,魯賓斯坦不僅向柴可夫斯基致歉,並且擔任這首曲子於1875年在俄國的首演,同樣地也獲得很熱烈的迴響。後世的愛樂者認為第一號鋼琴協奏曲的熱情、帶給人精神上的悸動,還有那迷人的旋律,讓它在今日成為史上最受歡迎的鋼琴協奏曲之一。

慕尼黑愛樂
慕尼黑愛樂在1893年成立,成立者是鋼琴製造商之子凱姆(Franz Kaim), 1979年2月,傑利畢達克首度指揮慕尼黑愛樂,而在同一年他就被聘為該團的音樂總監,他在布魯克納交響曲音樂會上的精彩表現,成為慕尼黑愛樂最重要的指標。

黃金相遇 - 巴倫波因&傑利畢達克 / 徐鵬博 文
本片的兩首鋼琴協奏曲,是同樣編制作品中,非常受歡迎的兩首。舒曼的唯一一首鋼琴協奏曲充滿著高貴、幻想、親密的氣息;相反地,柴可夫斯基的第一號鋼琴協奏曲的氣勢相當雄偉,音樂本身內蘊推進的力道,充滿情感上的力量,其絢爛的音色則別具一格,是柴可夫斯基的三首鋼琴協奏曲當中最受矚目的一首。

DVD裡擔任鋼琴獨奏的鋼琴家,是當今樂壇的重量級人物巴倫波因(Daniel Barenboim),1942年出生於布宜諾斯艾利斯,雙親為俄裔猶太人,小時候在鋼琴演奏領域即展現如神童般的才華。巴倫波因不只是一位鋼琴家,他也是古典樂壇公認的管弦樂團與歌劇院指揮家,在指揮領域的成就同樣令人尊敬;而在樂壇也有很大的影響力,他不但是很重要的古典音樂大使,也是著名的人道主義者。本片和巴倫波因合作的傳奇指揮家傑利畢達克(Sergiu Celibidache),1912年出生於羅馬尼亞,1996年於去世於巴黎,享年84歲。傑利畢達克早年的音樂教育同樣以鋼琴為主,此外他對於哲學與數學也相當有興趣。傑利畢達克刻意選擇不在鎂光燈下生活,而且他無論面對哪一次的現場演出,都會和管弦樂團事先要求更多的排練時段,以求盡善盡美,而這樣的要求只有廣播電台的管弦樂團才有辦法配合,因此傑利畢達克指揮生涯的大部分時間,都只有與廣播電台管弦樂團合作。頂尖樂團之中,唯一能夠與傑利畢達克持續合作的,只有慕尼黑愛樂,傑利畢達克自1979年起擔任該團的音樂總監,直至去世為止。

傑利畢達克是一位聲音的天才,他能夠在複雜交錯的樂團聲響中找到巧妙平衡的獨家秘方,再加上他對樂器音頻以及空間聲響的絕佳敏銳度,往往創造出令人難忘的音樂。這次舒曼與柴可夫斯基鋼琴協奏曲的影像記錄,顯示出巴倫波因與傑利畢達克兩人在音樂內容上的高度共識,一些相關報導也揭露了兩人對彼此音樂性的欽佩,共事的期間也相當愉快。管弦樂團的成員,在兩人樂思的相互影響之下,讓樂曲不再是按照公式般地演出而已,而是仔細地探究音符之外,更深層的意義。傑利畢達克對於加長排練時間的要求,也讓樂團成員們擁有最好的環境,將最好的一面展現出來,悠游於傑利畢達克以「禪」與「宇宙觀」為基礎的音樂哲學世界中。

舒曼在1841年開始譜寫這首鋼琴協奏曲,一開始他想寫的是一首「為鋼琴與管弦樂團所譜寫的幻想曲」,這首曲子是為了他的新婚妻子克拉拉所寫的。這個幻想曲後來成為鋼琴協奏曲的第一樂章,而另外兩個樂章則是在1845年增加上去的。您可以在樂曲行進之間感受到這首曲子強烈的歌唱性,以及獨奏與樂團之間緊密的對話性,是一首充滿表情、啟發與聯想,以及抒情氣質的鋼琴協奏曲。巴倫波因的角色彷彿有時是一個滔滔不絕的雄辯者,有時又是一個室內樂成員,而樂團所能給他的一切都是清晰而貼切的回應,使得音樂一直相當具有說服力。巴倫波因在第一樂章裝飾奏既有沉思暝想的一面,也有著充沛的精力,率領慕尼黑愛樂走向歡欣的樂章結尾,樂團在這裡與巴倫波因的合作,有著絕佳的平衡與張力。他們同樣創造出了一個精雕細琢、優雅而微妙,甚至有些布爾喬亞興味的第二樂章,然後連接到彷彿邁開大步走、精神奕奕的第三樂章,伴隨著彈性十足的活躍感,真正呈現出浪漫風格的精髓。

這首鋼琴協奏曲在1846年的1月1日進行首演,由克拉拉擔任獨奏者,然而萊比錫的聽眾們似乎對於舒曼的這首協奏曲顯得有些不知所措,或許那時候的他們無法充份欣賞曲子裡的精妙之處,以及鋼琴與管弦樂團之間在樂句間的緊密銜接與對話。不過,在巴倫波因與傑利畢達克的演出裡,這項優點則是淋漓盡致地呈現出來,並且還可以在樂句之間發掘有趣的小角落。 同樣地,柴可夫斯基的降b小調鋼琴協奏曲也不是很能被接受,尤其在他的鋼琴家好友,當時是莫斯科音樂院院長魯賓斯坦(Nikolai Rubinstein)眼中更是如此,柴可夫斯基帶著這份剛完成的樂譜給魯賓斯坦私下看看,沒想到魯賓斯坦回覆他的竟然是「毫無價值,而且無法演奏」這樣負面的評語。而柴可夫斯基則堅持自己的想法,經由畢羅在美國的首演大獲成功之後,魯賓斯坦不僅向柴可夫斯基致歉,收回原來的看法,並且擔任這首曲子於1875年在俄國的首演,也獲得很熱烈的迴響。然而有一些人懷疑在樂曲一開頭壯麗旋律的鋼琴部分,在柴可夫斯基過世之後有經由柴可夫斯基的學生西洛第(Alexander Siloti)修改過(當然,西洛第大幅修改第二號鋼琴協奏曲,這是確定的)。後世的愛樂者認為第一號鋼琴協奏曲的熱情、帶給人精神上的悸動,還有那迷人的旋律(尤其在簡潔的慢板樂章裡,最平靜也最令人陶醉的段落),讓它在今日成為史上最受歡迎的鋼琴協奏曲之一。

傑利畢達克比起一般指揮家,有著速度更慢的傾向,這點偶爾會是這位傳奇指揮家招致非議的地方,不過在更多時刻,這種特質所創造出來的音樂,卻是如此充滿啟發性,令人讚嘆不已的。這麼看來,傑利畢達克指揮起舒曼和柴可夫斯基鋼琴協奏曲就顯得比較沒有爭議。除了在柴可夫斯基鋼琴協奏曲的第一樂章裡,傑利畢達克的演奏或許會被認為有點矯情,並且異想天開。是的,傑利畢達克將樂曲的視野延伸地相當寬廣,而巴倫波因也完完全全地浸淫其中。2004年,巴倫波因曾經和筆者提過,從他與傑利畢達克合作的經驗中,解釋為什麼傑利畢達克會選擇這種慢速度演出。

「他相當清楚,音樂是一個在時間中流動的藝術,而在處理它的時候,就直接會面對速度的問題。如果你不了解音樂裡的和弦,以及樂器所能展現的張力,那麼很明顯的,你不需要如此慢的速度。不過如果你對音樂能夠看得更深入的話,那麼你就需要一個較慢的速度,讓所有的聲音都能被清楚地聽見。

傑利畢達克清楚地理解速度與樂譜內容之間的關係,時間與空間之間的關係;這不只是一個形而上的抽象話題,也是一個實際的物理話題:這麼說吧!我們可以面對在生活中每一個或快或慢的步伐,但是在音樂中卻不是如此,許多人只能接受限定範圍的速度。不過,如果你與某個人坐下來聊天,而話題相當無趣的話,那麼兩分鐘在你的眼中就會像兩個小時一樣長;如果話題相當有趣的話,那麼即使聊了兩個小時,你也會覺得時間快得像只過兩分鐘一樣。我們對於時間的概念,有個主觀的感受,而我們同時也必須從鐘錶的指針,得知時間客觀的流動。這是傑利畢達克帶給我深思的課題,其實它非常簡單。很多音樂家在這方面都有獨特的見解,而傑利畢達克正是我遇過這些偉大音樂家當中,很重要的一位。我自己覺得,每當我每次離開慕尼黑時,和我抵達慕尼黑與傑利畢達克合作之際相比,好像變了一個人似的。 」

慕尼黑愛樂
慕尼黑愛樂在1893年成立,成立者是鋼琴製造商之子凱姆(Franz Kaim),從那時起,在著名指揮的率領之下,一直是慕尼黑文化生活的重要指標。在樂團剛成立時,樂團的名字是凱姆管弦樂團(Kaim Orchestra),指揮包括溫德斯坦(Hans Winderstein)、桑伯(Hermann Zumpe)和布魯克納的學生羅威(Ferdinand Lowe)等人,他們為樂團帶來了高水準的演奏技巧,以及當代音樂藝術的熱情付出,樂團成員的想法都是希望能安排出社會各個階層都能接受的票價與曲目,其中包括羅威於1898年演出大編制的布魯克納第五號交響曲,這次演出開啟了該團深厚的布魯克納傳統,直至今日。溫加特納於1898-1950年之間接任指揮,藉由數場國外演出,為該團打開國際知名度。馬勒在1901-1910年間指揮慕尼黑愛樂,他也在這裡首演了他的第四號交響曲與第五號交響曲。1911年11月,這個當時稱為「音樂會協會管弦樂團」的樂團,在華爾特的指揮下,首演了馬勒的《大地之歌》(馬勒在演出前六個月於維也納去世)。

1920年起,由豪瑟格(Siegmund von Hausegger)擔任「音樂會協會管弦樂團」的指揮,他除了首演兩首布魯克納交響曲的原典版之外,也將這個團的名字正式改為慕尼黑愛樂。1938年起,卡巴斯塔(Oswald Kabasta)擔任慕尼黑愛樂的指揮,大力推廣布魯克納的音樂,同時也更積極安排國外巡迴演出行程。在第二次世界大戰之後,約夫姆用在納粹時期飽受攻擊的孟德爾頌《仲夏夜之夢》序曲開始慕尼黑愛樂的第一場音樂會。羅斯包德(Hans Rosbaud)於1945年成為為慕尼黑愛樂的指揮,以推廣現代音樂為職志。而肯培於1967年接手慕尼黑愛樂指揮一職,率領該團前往日本與蘇聯演出。

1979年2月,傑利畢達克首度指揮慕尼黑愛樂,而在同一年他就被聘為該團的音樂總監,他帶領該團前往海外演出,甚至到了南美洲。傑利畢達克在布魯克納交響曲音樂會上的精彩表現,成為慕尼黑愛樂最重要的指標。1999年,李汶接下慕尼黑愛樂首席指揮的位置,有了更頻繁的國外演出,包括2002年在紐約卡內基廳,以及在倫敦BBC逍遙音樂節的演出活動。2004年起,提勒曼(Christian Thielemann)成為慕尼黑愛樂的音樂總監,他以布魯克納第五號交響曲做為他就職的音樂會,同一年他們的錄音不僅獲得歐洲古典大獎(“Euro-Klassik” prize)的肯定,提勒曼也被譽為「年度藝術家」。而2012樂季開始,慕尼黑愛樂則邀請著名的馬捷爾(Lorin Maazel)成為他們最新一任的音樂總監,開啟該團全新的黃金時代。